Chaque année depuis 1977, au début du mois de décembre, les pirouettes des « petits rats » envahissent l’Opéra Garnier à Paris. Les élèves et professeurs de l’École de danse de l’Opéra national de Paris quittent leur campus de Nanterre pour présenter sous le plafond de Chagall les savoirs et techniques acquis au cours du premier semestre. L’occasion de nous entretenir avec l’étoile Elisabeth Platel, à la tête de l’Ecole de Danse depuis 2004, sur les enjeux de la formation de ces 150 jeunes danseurs.

Que représentent les Démonstrations pour les élèves de l’Ecole de Danse de l’Opéra de Paris?

C’est une étape importante. C’est la première réalisation scénique de l’année et c’est pour nous le moment de dresser un bilan des quatre premiers mois de travail. Le travail en studio à l’Ecole – qui est un travail de construction et de longue haleine – prend toute sa valeur lorsqu’il est effectué sur scène. Les élèves doivent faire avec les lumières, le trac, la pente [le sol du Palais Garnier est légèrement incliné NDR]. Contrairement à la classe, où ils sont habitués à faire et refaire, ils n’exécutent qu’une seule fois le mouvement, ils n’ont plus le droit à l’erreur.

Cela va aussi nous permettre de voir si l’enfant va être transcendé par la scène ou, au contraire, s’il va être totalement tétanisé. Les Démonstrations sont donc une sorte de thermomètre, mais rien n’est jamais acquis ou établi définitivement. C’est une étape et on ne fait que passer des étapes dans notre métier.

Justement, la vie d’un danseur semble jalonnée de concours: l’entrée à l’Ecole de Danse, le recrutement dans le corps de Ballet, le concours interne tous les ans pour monter en grade dans la compagnie…Comment préparez-vous vos jeunes élèves à les affronter ?

La vie de danseur n’est pas une vie de concours. Car à l’instant où l’on se dit que c’est un concours, on accepte d’être jugé par quelqu’un d’autre. Or, le plus important c’est de se connaître soi-même. Les danseurs sont des conquérants de l’inutile dans le bon sens du terme. On va à la recherche de notre perfection, qui est elle-même impossible à atteindre.

« Les danseurs sont des conquérants de l’inutile »

Pour ce qui d’y préparer nos élèves… Et bien, ils nous voient ! On leur parle de nous et on leur explique que, même en tant que professeur, on va constamment se remettre en question. On les renforce aussi au niveau technique : plus ils sont forts et plus ils deviennent autonomes.

Vous savez, on est face à des enfants en pleine croissance, en pleine évolution à la fois physique et psychologique. Ils ont un rêve d’enfant, et l’enjeu, à l’école, c’est de savoir s’ils vont garder ce rêve. A quatorze ou quinze ans, certains s’aperçoivent que la réalité n’est pas forcément drôle, qu’être danseur ce n’est pas juste avoir une couronne et un tutu. 

Vous parliez de la technique, qu’est-ce qui caractérise l’enseignement que reçoivent vos élèves ?

Je pense que c’est ce fameux mot, le style. Nous, les danseurs français, sommes à la fois cartésiens et latins. C’est un certain raffinement, une clarté, une technique très ciselée… Les Démonstrations sont aussi en cela une vitrine de notre enseignement. Nous maintenons nos traditions par des exercices anciens, comme les gammes pour un musicien. Et ce sont des exercices que nous avons nous-même pratiqués. Car tous les professeurs sont passés à un moment où un autre par l’Ecole de danse et ont intégré la compagnie de l’Opéra de Paris. Même si nous avons des âges différents, nous sommes de la même famille artistique.

Et comment l’Ecole de Danse de l’Opéra de Paris, héritière des traditions que vous décrivez, se positionne face à la globalisation des échanges artistiques ?

Il arrive souvent que des élèves viennent de l’étranger, qu’ils aient commencé leur formation dans d’autres pays. Nous leur expliquons que ce qu’ils y ont appris est très bien, mais qu’il va falloir désormais travailler de façon légèrement différente.

Au mois d’avril, nous organisons de nouveau à l’Opéra de Paris « Le Gala des écoles de danse du XXIème siècle » avec des écoles américaines, canadiennes, danoises, anglaises… Tous ont leurs particularités et ce sont des échanges très intéressants. Nous faisons face à cette mondialisation de l’art, à cette mondialisation des enseignements, à YouTube qui nous permet de visionner des milliers de films auxquels nous n’avions pas accès à mon époque. Nous en avons discuté entre directeurs d’école et nous nous sommes dit que si cette connaissance mutuelle est nécessaire, le plus important c’est que chacun « garde son accent ». On a tous notre identité.

Est-ce que l’utilisation de la vidéo, via YouTube par exemple, peut transformer l’apprentissage des jeunes danseurs de l’Ecole, pour mémoriser les variations par exemple ?

A l’Ecole de Danse, nous cultivons énormément notre mémoire. Elle est à la fois sélective et elle transforme les choses. Un de mes professeurs  m’expliquait, par exemple, que la façon dont j’avais modifié un de ses exercices était la plus « vraie » puisque ça avait été ma manière de le recevoir puis de le transmettre à mon tour.

En classe, on peut demander à un élève de réviser une chorégraphie en regardant un film mais ce n’est pas la base de notre enseignement et ce n’est pas comme cela qu’un élève apprendra un ballet. Pour nous, la vidéo est un outil mais elle n’est en rien primordiale.

En effet, nous transmettons une mémoire vivante alors que la mémoire de l’image est plate, stérile. Un écran ne vous transmettra pas l’émotion alors qu’une rencontre avec un professeur vous donnera l’âme d’un pas ou d’une variation. Avec les films, on va seulement chercher à copier. Je suis beaucoup plus pour l’apprentissage par la sensation dans le corps. Car c’est ainsi qu’on devient libre.

Spectacle de l’Ecole de danse, du 31 mars au 4 avril 2017 au Palais Garnier, Gala des écoles de danse du XXIème siècle, le 07 avril 2017 au Palais Garnier.